Arte & Architettura

La primavera è il momento di riaprire i giardini e trovare nuovi modi eleganti per rinnovare il loro spirito. Se siete in Italia alla fine di aprile e l'inizio di maggio, ci sono due grandi eventi, a Firenze e nella campagna romana, per cercare la soluzione giusta per le vostre esigenze.

Madeinlava, l’impresa italiana di mobili scolpiti fondato da Sabrina e Luca, mostrerà le sue più recenti creazioni artigianali a Firenze dal 24 aprile-1 Maggio al 78 ° Salone artigianale. I due partner, esperti nella scultura di lava e peperino, le pietre vulcaniche provenienti da Viterbo, presenteranno la loro nuova gamma di mobili per giardini eleganti, nati dall’integrazione di legno e pietra. Tutte le soluzioni sono sostenibili, il legno è trattato naturalmente e la progettazione dei mobili non utilizza chiodi o colla.

La fiera è alla Fortezza da Basso, un luogo magico e uno dei più interessanti esempi di come il passato possa essere legato al futuro. Questo forte è stato creato nel 15 ° secolo da Antonio da Sangallo ed era una base militare per la famiglia Medici.

Negli anni '60 è stato trasformato in spazio espositivo per la città di Firenze e alcune nuove costruzioni moderne sono state aggiunte per renderlo funzionale al suo nuovo scopo.

I visitatori possono sentirsi avvolti da eleganza, sia nel luogo e nelle eleganti soluzioni artigianali.

Dal 1 maggio al 4 maggio Madeinlava esporrà in una tenuta particolare a nord di Roma, vicino al lago di Bracciano. L'evento è chiamato Arti & Horti ed è dedicato alle ville di campagna e ai 'Casali' (le tipiche ville di campagna italiana in Toscana e a Roma). Le eleganti creazioni artigianali di Madeinlava saranno mostrate tra i fiori e le soluzioni da giardino più belle per aprire una nuova stagione di bellezza.

Trovate dove Madeinlava espone ed incantatevi con le loro creazioni.

A destra in piazza Mountain in Whistler, la famosa località a nord di Vancouver, sulla destra accanto a un totem vi sono delle scale che conducono alla zona delle gallerie d’arte.

A sinistra è possibile trovare una finestra con statue e sculture in pietra di Inuksuk. 

Passata la soglia vi imbatterete in una scultura di orsi che sembrano uscire da un grande blocco di marmo. A destra della porta vi sono quattro sculture: una meravigliosa scultura Moebius arancione ricavata da una pietra africana, un brillante orso nero di clorito, una balena di marmo bianco di Tokeen Bay in Alaska e un orso di marmo che cattura un salmone scolpito da una squadra di sette scalpellini locali.

Fate una passeggiata nello showroom e incontrerete un giovane uomo il cui accento sicuramente proviene dal Nord-Ovest. Il suo nome è Jon Fathom e questo è il suo showroom: queste opere provengono dal suo team di scultori di pietra.

Jon è una persona ironica e calma ed ha l’arte di vedere le opere che ha in cura, fatte dal suo team o da altri artisti del Nord Ovest.

Jon nasce in una casa di legno a Juneau in Alaska. I suoi genitori vivevano li e ha trascorso la sua infanzia raccogliendo pesci e granchi, guardando le balene, nutrendo le aquile e osservando i ghiacciai. Così gli chiediamo come sia arrivato alla pietra.

Ci racconta che è scappato da Juneau come un giovane selvaggio stanco di odorare di pesce e, come i suoi amici, era cresciuto su una tavola da snowboard. Così a 21 anni si ritrovò a Mammoth Lakes, in California, alla ricerca di fortuna su una tavola da surf fino a che non trovò la rivelazione in una preghiera.

La risposta gli è arrivata attraverso un’improvvisa visione: l’arte di scolpire. Alla fine della stagione, a Seattle, incontrò per caso un intagliatore di pietra e diventò suo apprendista. E’ stato un allievo veloce e volenteroso, e ben presto ha aperto una sua bottega avendo una buona sensibilità per scegliere le pietre con le loro mutevoli sfumature e particolarità.

Oggi, 10 anni dopo aver vissuto di nuovo a Juneau, tappa delle crociere in Alaska fra Ketchikan e Seattle, lo abbiamo trovato come un veterano di 4 anni in Whistler, ma senza più il tempo di divertirsi sul suo snowboard. Jon ha un talento speciale come insegnante.

I sette scultori della sua squadra hanno imparato tutti l'arte della scultura da lui, dall’uso degli utensili elettrici fino ai panni per la lucidatura. Accanto allo showroom si trova uno studio dove organizza corsi di scultura su pietra per tutte le età, corsi in cui si realizzano orsi e Inuksuk. Tutti sono invitati a godere delle emozioni che dà la pietra.

Cercatelo, ammirate le belle sculture in pietra e molti Inuksuk ispirati dagli Inuit, provate a scolpire la pietra con le vostre mani e chiedere Jon dei sui suoi orsi polari. La sua passione è di scolpire enormi orsi polari, talvolta più grandi di quelli viventi, ma questa è un'altra storia.

Tiziana Paci è l'autrice di un metodo per la progettazione di moda "la Figura nella Moda"e"la Figura maschile nella Moda", tradotto in 8 lingue e venduto in milioni di copie (a cura di IKON per l'Italia e PEPIN per le altre lingue). 

Come è nata l'idea di un libro di tale successo si pone?

L'idea è nata molti anni fa, quando insegnavo design di moda e non riuscivo a trovare un manuale adeguato. Erano tutti troppo pieni di notizie e nozioni in mille diversi campi diversi. Sicuramente interessanti, ma non concentrati in una spiegazione chiara su comevestirsi e su come si potrebbe disegnare una figura di moda.

Ho chiamato una dei miei ex studenti, una stilista di talento, Elisabetta Drudi-Kuki, e insieme abbiamo preparato dei disegni. La prima pubblicazione è stata un libro sulla"figura femminile" e risale a circa 20 anni fa. Dall'idea iniziale di un breve manuale di 30 pagine alla fine abbiamo scritto un libro di 350 pagine. Dopo pochi anni, è stato seguito da uno sulla"figura maschile" e nel tempo, sono stati entrambi aggiornati nel contenuto.

Possiamo dire che hai inventato un metodo? 

I testie la graficasono il risultato della mia esperienza sul campo, come insegnante e designer. Penso che l’​​idea innovativa e 'vincente' sia stata quella di aver creato un libro con poco testo ma pieno di bei disegni sul metodo da seguire. Ho poi incluso disegni esplicativi su ogni passo dell’insegnamento. Un libro con molta comunicazione "visiva" sul modello Internet, anche se 20 anni prima internet! Abbiamo anticipato i moderni metodi di insegnamento.

Chi sono i tuoi lettori?

I due libri hanno ancora una grande attrazione da un pubblico eterogeneo di progettisti, studenti e anche gli amanti di libri di design non necessari a mente coinvolti nel settore della moda. I manuali sono utilizzati anche da piccole imprese e creativi che trovano applicazioni facili da personalizzare con le loro abilità artigianali, tipi che delle nostre piccole imprese.

Il  successo all'estero è stato una sorpresa? 

I libri, inparticolare quella sulle donne, sono stati “saccheggiati” da decine di pubblicazioni di autori che hanno seguito il mio metodo 'parola per parola'.
Alcuni hanno copiato forse un po' troppo, e ogni giorno trovo miei disegni in una varietà di siti tra cui in Russia, Cina e India.
Ma lo considero un credito ad un'idea  nata dalla necessità di dare un manuale agli alunni delle scuole di moda di ogni ordine e grado. La mia più grande sorpresa è stata quando il testo è stato adottato anche da università internazionali. Posso solo  ringraziare tutti i miei lettori per il successo.

Sei anche un’insegnante. Che consigli  daresti a chi vuole intraprendere una carriera nella moda?

Amo insegnare e per confrontare le personee mentalità che sono diverse dalle mie. Ho sempre imparare da  loro e così posso migliorare i miei metodi. Il mio piccolo consiglio a chi si avvicina  al mondo della moda è ora di allargare i propri orizzonti, di non avere paura di andare all'estero e di affrontare subito tutto il mondo.

Caltagirone si trova vicino al centro geografico della Sicilia ed è nota per la sua tradizionale cultura della ceramica e per la scala di 142 gradini ciascuno dei quali rivestito con piastrelle in ceramica diverse.

Eppure, per la maggior parte rimane una importante meta dai turisti dei maggiori centri di Catania/Etna, Siracusa e dai troppo lontani Palermo e Messina. In lontananza non sembra un posto ovvio per promuovere la cultura e l'arte nel mondo.

Allora cos'è che attira turisti dal mare siciliano di Taormina o Ragusa, dai tour dei puzzle di Montalbano, dal Gattopardo di Donnafugata e dalle scarpinate sulla cima Etna a guardare le fiamme dell'inferno? Per noi, è stato l’aver incontrato alcuni veri siciliani che danno vita e stanno ricostruendo nuove imprese seguendo la tradizione delle ceramiche di Caltagirone e, in particolare, la ricerca di un “Bummulu” o due.

“Bummulu”? E' la caraffa Siciliana, ma non è una qualsiasi brocca.

E’ il paradosso di una brocca in cui si versa il vino dal basso per poi girare a testa in giù la caraffa e versare il vino fuori dal beccuccio all'altra estremità. Mi ricorda le istruzione irlandesi per l'apertura di una scatola di fagioli.

Nel nostro viaggio, siamo entrati per prima nel laboratorio delle Ceramiche Conci, nascosto in una stradina di Caltagirone e abbiamo incontrato Salvatore Di Caudo, marito della titolare che, per caso, si trovava in una mostra d'arte nella nostra città natale, Roma.

Salvatore ha ampliato la nostra visione delle ceramiche di Caltagirone mostrando non solo le teste e vasi che avevamo previsto, ma anche alcune unici presepi, e ci ha spiegato come i colori delle ceramiche di Caltagirone rispettino i tradizionali colori della ceramica araba più di Palermo.

Sembrava come se i gialli e verdi di Caltagirone riflettessero il paesaggio collinare e il blu della ceramica di Palermo avesse aggiunto il mare.

Nel retro del laboratorio Conci, abbiamo notato una area dedicata ad una piccola scuola e Salvatore ci ha raccontato dei loro 20 anni trascorsi nella promozione di questo settore lasciando scivolare, non involontariamente, la sua personale storia imprenditoriale di promotore del cuore di Caltagirone e della Sicilia.

Ventiquattro ore al giorno non sembrano sufficienti per aver assemblato la sua offerta di gioie della tradizione siciliana.

Il suo bigliettino recita 'Sikelia' e dice che è nata con l'intento di raccogliere e promuovere la cultura, le tradizioni e l’arte popolare e il folclore colorato della Sicilia. Salvatore usa le stesse parole di Energitismo – le persone sono tesori umani di inestimabile valore.

Racconta anche di un gruppo folk con strumenti tradizionali e ci mostra un tamburello nascosto dietro un grande vaso di ceramica, eppoi estrae un piccolo strumento da uno scaffale che suona pizzicandolo mentre lo tiene tra le labbra: il marranzano o scacciapensieri. A quanto pare in origine era uno strumento musicale cinese riportato da Marco Polo. Il suo gruppo folk Caltagirone viaggia per il mondo per eseguire melodie della tradizione siciliana. E, per coloro che cercano altro, Salvatore può anche organizzare un tradizionale teatrino dei Pupi.

Salvatore emana calore della sua accoglienza e gode nel raccontare le storie della Sicilia.

Egli dice: "Una profonda passione per quello che facciamo è la molla che ci spinge a crescere, per favore venite a visitarci."

Insieme al Museo del Rugby, Energitismo ha dato vita ad una iniziativa di promozione dell’arte nello sport del rugby con una performance alla scuola estiva di Mauro Bergamasco per giovani rugbisti a Jesolo (circa un’ora di nuoto da Venezia!).

Una disciplina sportiva si distingue perché lo sport entra nello stile di vita quotidiano e i maestri sportivi diventano maestri di vita. Nel rugby lo sconfinamento dello sport nella vita quotidiana è palpabile dal comportamento dei giocatori ma soprattutto da quello dei tifosi e degli appassionati. Il “terzo tempo” è l’esempio perfetto di questo legame fra sport e vita. E’ il momento del dopo partita in cui la rivalità espressa sul campo si trasforma in gioia e la goliardia diventa l’occasione per ritrovare il senso del gioco e della vita.

E’ forse per questo motivo che nel suo centro estivo, Mauro Bergamasco, giocatore italiano di fama internazionale, ha chiesto al Museo del Rugby ad Artena, di tenere ogni giorno una lezione di un’ora ai ragazzi. Il presidente Corrado Mattoccia ha allestito una mostra con una selezione di maglie scelte per l’occasione e quando gli abbiamo chiesto di cosa parla durante le sue lezioni, ci ha risposto: “di storia e geografia! Ogni maglia è stata indossata da un giocatore durante una partita in qualche parte del mondo, quindi racconto e faccio domande su alcuni paesi o su alcune vicende storiche”.

Per farci un esempio di quello che ha portato in visione, ci ha illustrato la “maglia fantasma”, la maglia di un’autentica leggenda del Rugby mondiale: Gareth Edwards. Il più giovane capitano dei Dragoni Rossi di tutti i tempi, 53 caps con la maglia del Galles, colui che ha realizzato quella che è tutt’oggi considerata la meta più bella di tutti i tempi.

Negli anni terribili dell’Apartheid le squadre sudafricane erano bandite dal resto del mondo: per protesta contro il razzismo dei bianchi nessuna squadra di rugby poteva accettare di giocare contro un XV sudafricano.

Ma nel 1978 una squadra di un college sudafricano chiese ed ottenne di giocare un partita in Galles, nei pressi di Neath, sede del più vecchio club gallese. La partita si giocò “di nascosto”. Edwads era in campo nelle fila del Neath. Indossò la maglia nera in quell’unica occasione.
Un altro esempio è quello dell’importanza del rugby nella storia dell’Irlanda. Il rugby era l’unico sport in cui competevano sia squadre dell’Ulster che dell’Irlanda.

Con queste premesse e con la convergenza fra le nostre iniziative e gli scopi del Museo, che sono un avvicinamento fra cultura, vita, arte e sport, ci siamo ritrovati a Cavallino vicino Jesolo.

Con il suggerimento dell’artista della ceramica Giuseppe Facchinello e dell’artigiano Alessandro Facchinello, su come enfatizzare il legame fra arte e sport con trofei e oggetti collezionabili, abbiamo mostrato degli ovali di ceramica che avevano realizzato in varie forme e colori. Poi abbiamo portato un ovale di ceramica bianca e delle ciotole con colori diversi. Di fronte a tutti i ragazzi e allo staff, alcuni hanno impresso le mani nel colore e hanno lasciato la loro “firma” sull’ovale.

Arturo e Mauro Bergamasco, Andrea de Rossi, Cinzia Cavazzuti, Davide Giazzon, Corrado Mattoccia, Francesco Tognon, Claudia Bettiol, Samuel Piazzolla, Alessio D’Aniello, Emma Stevanin, Edoardo Sommacal e Pietro Casarin hanno segnato questa storica palla che sarà cotta al forno da Alessandro Facchinello e successivamente donata al Museo del Rugby.

Giuliano Mauri è un “poeta dei rami” e costruttore di “edifici vegetali”, definiti “architetture naturali” che vivono di temporaneità e che poi, inevitabilmente, ritornano alla Natura.

Operando con rami e tronchi di legno realizza edifici fantasticamente reali. Il presupposto, legato alla naturale caducità del materiale impiegato, è che la natura riempirà i vuoti lasciati dal disfacimento del legno operando, quindi, una sorta di dialogo con l'artista. Le sue opere temporanee vivono il tempo di un respiro, sono strutture imponenti ma che marciranno. Il simbolo di un pensiero altissimo che disorienta ma anche commuove.

Tutto il lavoro di Giuliano, la sua arte, si è fondata sull’ascolto dello spirito del luogo, da cui poi nasce l’improvviso, l’inatteso: “….Non è mai questione di inventare, ma piuttosto di scoprire, di cogliere qualcosa che c’è già, di sentirlo. E poi di dargli corpo”. Il suo atteggiamento rievoca quello di Michelangelo che pensava al blocco di pietra come a uno scrigno che conteneva già l’opera e che quindi bastava scoprirla, togliendo “il soverchio”.

In Val di Sella, nella rassegna Arte Sella, ha creato una architettura emozionale piegando i giovani alberi per concordare e condividere un’idea con loro. Sarà poi la Natura a prendere il sopravvento. Per lui gli alberi sono legno, linfa, foglie, frutto, ma sono anche vita, morte ma, soprattutto, rinascita. Ha piegato i rami non per dominarli, ma per invitarli a modellarsi in una idea ed un segno che è un processo di invenzione.

Realizzazioni come quelle dell’Albero dei cento nidi o le Isole Vaganti/Zattera dei migranti suscitano meraviglia e rivelano la grandezza del suo pensiero. Un lavoro sull’immigrazione del futuro come quello delle grandi “lastre” di legno ricolme di terra che, fecondate dal vento inseminatore, covavano futuri alberi, e una volta accostate alla riva diventavano alberi, arbusti, bosco. Non solo zattere, ma natura tra la natura in un inno alla fratellanza.

Per Giuliano Mauri l’autore non riveste importanza, è uno sconosciuto che interviene con la sua idea e riconsegna alla Natura ciò che ha fatto. Esattamente come gli architetti dei giardini cinesi che secoli fa progettavano e realizzavano opere grandiose senza apporre la loro firma, e ritornavano di volta in volta, silenziosamente a sistemare, a riordinare, perché la vera protagonista era la Natura e non l’uomo.

Quante forme, si possono creare, quanti orizzonti si possono aprire con ciò che nel bosco cade, perfino l’incredibile scenografia nello Sferisterio di Macerata per la Norma di Bellini per Abbado! Non è forse questa la realizzazione perfetta del concetto di Sostenibilità nell’architettura?

In Austria, in un paesino della Stiria, Bad Blumau, ci si può imbattere in una realizzazione unica dove lo stile di Gaudì, i colori di Matisse, Klee e Kandinsky si trovano fusi in un’architettura che il suo autore definisce come architettura ”vegetativa”.

Friedensreich Hunterwasser è un architetto particolare che tra il 1994 e il 1998 ha costruito un microcosmo architettonico intorno alle acque termali di Bad Blumau al cui ingresso è scritto “….denn das Paradies ist um die Ecke” (Il Paradiso è dietro l’angolo).

Stessi colori che si ritrovano a Vienna, Darmstadt,  Waldspirale  o nell’inceneritore di Vienna. Friedensreich era nato come pittore e scultore: “Dipingere è sognare. Quando dipingo, io sogno”. Ha creato pareti dipinte come quadri, ha ritagliato finestre che hanno un proprio mondo, colonne ricoperte di ceramica, mattoni, mosaici di forme diverse. Forme ardite che continuano al piano superiore con scie di altri mosaici, colori, come colonne nate dal ventre della terra fino all’infinito, quasi “a sostenere il cielo, come fanno gli alberi secondo gli indiani d’America”.

Per sottolineare la sua gioia, Friedensreich ha cambiato il suo cognome in Hundertwasser, che significa “Cento acque di Regno di Pace”. Il suo sogno è stato quello di credere in un’architettura che è natura e che trabocca di felicità. E le sue realizzazioni rispecchiano questo sentimento: sono un mondo di forme, colori, vegetazione che diventano parte integrante di queste architetture fiabesche. Indescrivibili.

Con Lucien Kroll, uno dei padri della Sostenibilità, ha condiviso la critica al Movimento Moderno di aver trascurato la componente più bella dell’uomo: quella legata alle emozioni, alla sensibilità, alla memoria, al sogno. La natura e il suo rapporto con l’uomo: questo era ciò che gli era più importante. Definiva la sua architettura ”vegetativa” perché, come un albero, si sviluppa con grande lentezza e senza clamore.

“Le linee rette non hanno rapporti con la nostra vita - tuonava Friedensreich - al giorno d’oggi viviamo in un caos di linee rette, in una giungla di immorali linee rette. La livella e il metro dovrebbero essere vietati, sono il simbolo dell’ignoranza e il sintomo della disintegrazione della nostra civilizzazione”. Infatti, le sue pareti sono ondeggianti, i tetti sono sinuosi, i colori sono aperti e coraggiosi.

“Da quando ci sono urbanisti indottrinati e architetti standardizzati, le nostre case sono malate. Non si ammalano, sono già concepite e costruite come case malate. Tolleriamo migliaia di questi edifici privi di sentimento ed emozioni, dittatoriali, spietati, aggressivi, sacrileghi, piatti, sterili, disadorni, freddi, non romantici, anonimi, il vuoto assoluto. Danno l’illusione della funzionalità. Sono talmente deprimenti che si ammalano sia gli abitanti che i passanti”.

Nel Manifesto Ambientalista parla di “Re a casa propria” e di “diritto della finestra”, ossia il diritto di una persona di riconoscere i propri spazi abitativi e dipingendo i muri attorno alle aperture, con colori vivaci. "E' vostro diritto modificare secondo il vostro gusto le finestre e la facciata della vostra casa, fin dove il vostro braccio può arrivare" (1972).

Paolo Soleri: architetto illuminista, visionario, artefice del piu’ importante esperimento urbano del nostro tempo. Less aesthetics, more ethics (Meno estetica, più etica).

Vicino Tucson, in Arizona, c’è una città/comunità fondata da Paolo Soleri negli anni ’70 che ha sfidato il mondo intero sulla sostenibilità e la relazione fra uomo e ambiente.

Paolo Soleri nasce a Torino nel 1919, dopo una collaborazione di due anni presso lo studio di Frank Lloyd Wright a Taliesin West negli Stati Uniti, torna in Italia nel 1950 con sua moglie Colly.

Si costruisce una casa mobile con un piccolo camion che diventa un camper capace di ospitare una famiglia di tre persone. L’energia solare viene prodotta in un serbatoio sul tetto del camper e riscalda l’acqua per la cucina e la doccia. Questo gli permette di spostarsi con costi minimi, adottare una visione libertaria della vita, acquisire il senso della sperimentazione.

Nel 1956 torna negli USA e a 70 miglia da Phoenix in Arizona - Paradise Valley - dà inizio al suo processo urbano rivoluzionario. Il primo passo è la costruzione di Cosanti, una residenza con il tetto a forma di cupola con studio semi-interrato, dove insegna e progetta la città del futuro: Arcosanti, un neologismo che unisce le parole architettura ed ecologia.

Arcosanti è un prototipo di città per 5000 abitanti con edifici densi, compatti, sviluppati in senso verticale per non sottrarre terra, spazio, dove il concetto forte è rappresentato dalla visione di bioarchitettura, un rapporto uomo-ambiente basato su un rispetto reciproco e di ascolto. I percorsi sono pensati per evitare l’uso delle automobili, favorendo così gli spostamenti a piedi.

Grandi forme organiche, diverse una dall’altra, circondate da molteplici forme minori, ognuna delle quali rappresenta le attività primarie dell’uomo: le torri con le abitazioni, il luogo della ricerca scientifica, il luogo della creatività artistica e artigianale, il centro dell’amministrazione e degli affari, il luogo di culto o dei riti religiosi come lui li chiamava: Il tutto compreso in un’unica forma, bellissima nel disegno, ispirata a formazioni naturali.

Disegna su lunghissimi fogli di carta da imballaggio, straordinari segni e disegni di grande forza artistica e poetica. La parola chiave di Soleri è frugalità, “fare di più con meno”: meno risorse energetiche, meno sprechi di spazio, meno inquinamento. La città del futuro nasce quindi su questi imperativi: intensificare le relazioni umane, rendere ottimale l’accesso a risorse comuni, ridurre la produzione di rifiuti, armonizzare l’incontro delle persone con l’ambiente.

Da allora, più di settemila volontari hanno contribuito alla costruzione della città, realizzandola solo per il 5%. A oggi sono stati realizzati 14 edifici, tra cui case, una fonderia un centro musicale, piscine e una serra. A questa comunità tutti possono comunque appartenere: ospiti, viaggiatori, uomini d’affari, artisti, occasionali.

Un supervisore, Roger Tomalty, scrisse: “Non era una comunità per il gusto della comunità in sé dove si mangiava tofu e ci si dava pacche sulle spalle. Era l’opposto di una scena hippy: una comunità di muratori. Se ci volevi stare dovevi lavorare più di quanto avresti mai lavorato in vita tua”.

“Se siete veramente preoccupati per i problemi di inquinamento, rifiuti, perdita di energia, terra, acqua aria e conservazione biologica, la povertà, la segregazione, l’intolleranza, il contenimento della popolazione, la paura e disillusione, unitevi a noi”.

Così recita il cartello all’ingresso di Arcosanti.